«Hacer realidad lo fingido y verdadero lo aparente»
Mujeres, oficios y genealogías del Siglo de Oro
Espacio: Casa Palacio Juan Jedler
Fechas: 03 julio-26 julio
Martes – domingo: 10.00 – 14.00h | 17.00 – 20.00h
Entrada Libre
Hacer realidad lo fingido y verdadero lo aparente invita a ampliar la mirada del Siglo de Oro y acercarse a esta gran etapa del Barroco desde aquellos espacios en los que la vida y la creación se entrelazaban hasta alcanzar una de las cumbres más altas de la cultura española.
En talleres, casas y escenarios se articulaba un sistema de trabajo compartido en el que los oficios se aprendían y se ejercían en comunidad. Las mujeres formaron parte de ese entramado, donde tuvieron una presencia constante, vinculada tanto a la producción de las obras más artísticas como a la organización cotidiana de los talleres, la gestión de negocios o la transmisión de los saberes. En los obradores familiares asumieron grandes responsabilidades, haciendo posible la continuidad de los oficios y participando activamente en la economía cultural de su tiempo.
A los nombres de María de Zayas, Ana Caro Mallén o Sor Juana Inés de la Cruz, junto a las trayectorias escénicas de La Calderona o María de Navas, se suman aquí otras presencias menos visibles en los relatos pero muy importantes dentro del tejido productivo del momento: bordadoras, impresoras, libreras, comediantas, copistas, cuidadoras. Sus prácticas, sus decisiones y sus formas de hacer configuran una red de conocimiento que hizo posible el desarrollo artístico del Barroco.
La exposición se construye desde esa trama y propone una lectura en clave de genealogía, entendida como una forma de atender a las continuidades que atraviesan el tiempo. A través de los vínculos entre unas y otras, de los aprendizajes compartidos y de los gestos que se transmiten, se dibuja una red en la que el conocimiento circula, se transforma y permanece.
En ese recorrido, el asesoramiento de Alba Gómez de Zamora, especializada en historia cultural, ha permitido situar estas trayectorias en su contexto y profundizar en su alcance dentro de la cultura barroca.
El proyecto forma parte de Conectados al Siglo de Oro, el programa de mediación cultural y educativa del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, orientado a la construcción de referentes femeninos a partir del conocimiento del patrimonio. En colaboración con el IES Clavero Fernández de Córdoba (Almagro, Ciudad Real), el IES Cañada de la Encina (Iniesta, Cuenca) y el IES Río Júcar (Madrigueras, Albacete) -tres institutos de Castilla-La Mancha- el alumnado ha desarrollado un proceso de investigación, lectura y creación que incorpora nuevas miradas al relato, en un trabajo de mediación guiado por Victoria Sandoval.
Algunas de las piezas que integran la exposición -siluetas, textos y audios- nacen de ese trabajo compartido, de un proceso de conexión entre nuestra sociedad más presente y el Siglo de Oro. Un recorrido que parte de la adolescencia, dialoga con sus referentes y concluye incorporando al relato una nueva capa de sentido que nos invita a resignificar este periodo. Aquí, el Siglo de Oro se manifiesta no solo como un momento de máximo esplendor, sino como un tiempo en el que, desde distintas posiciones, hombres y mujeres participaron conjuntamente en la construcción de la vida social y cultural.
No buscamos cerrar una historia, sino abrirla, y, quizá, empezar a contarla de otra manera.
«Homenaje a ELISA SANZ»
Espacio: Corral de Comedias
Fechas. 13 julio – 20.30h
Duración: 60 min.
Nacida en Burgos, ciudad a la que la vida la ha devuelto con el tiempo, Elisa Sanz comenzó su camino con el deseo de ser actriz, aunque pronto encontró en la escenografía un lugar más cercano a su manera de mirar. Al recordar sus inicios, vuelve siempre a una figura esencial, la de su maestro José Luis Raymon, y a aquellas primeras imágenes descubiertas en libros, en un tiempo sin inmediatez, en el que cada hallazgo tenía algo de revelación.
Licenciada en Escenografía por la Real Escuela Superior de Arte Dramático, con formación en Londres y Utrecht, acumula más de treinta años de profesión y más de doscientos espectáculos estrenados en teatro, danza, ópera y musical. A lo largo de este tiempo ha trabajado con algunos de los nombres más relevantes de la escena contemporánea, como Lluís Homar, Juan Mayorga, Pablo Messiez, Daniel Veronese, Lautaro Perotti, Natalia Menéndez, Ainhoa Amestoy, Eva Romero o José Luis Gómez, así como con coreógrafos y compañías como Enrique Cabrera en Aracaladanza, Alicia Soto o Daniel Doña.
Su trabajo ha sido reconocido con ocho Premios Max de las Artes Escénicas —cuatro al mejor espacio escénico y cuatro al mejor vestuario—, además de doce nominaciones, el Premio Talía de la Academia de las Artes Escénicas de España, el Premio Adrià Gual de figurinismo y varios Premios FETEN.
Ha sido regidora, técnica, ha acompañado giras, ha trabajado desde dentro de los equipos. Ese conocimiento le permite pensar cada proyecto no solo desde la forma, sino desde el funcionamiento real de la escena y de quienes la hacen posible. Su labor pedagógica, constante a lo largo de los años, la ha convertido también en una figura de referencia para nuevas generaciones de profesionales de la plástica escénica.
Desde ahí insiste en algo que parece sencillo y no lo es, nombrar. Poner en los carteles, en los programas, en la conversación, las palabras escenografía, vestuario, iluminación. Hacer visibles los oficios que sostienen lo que ocurre sobre el escenario. Porque nombrar es reconocer, y reconocer es también una forma de cuidado. Defiende ese lugar desde la Asociación de Artistas Plásticos Escénicos y Audiovisuales de España, de la que es impulsora, trabajando junto a otros colegas para dar visibilidad y dignidad a estas profesiones en un contexto cada vez más frágil.
¿Qué significa el Festival de Almagro para Elisa Sanz? Y, sobre todo, ¿qué significa Elisa para nosotros? Llegó un día y se quedó, como se quedan las personas que encuentran un lugar al que ya pertenecen. Desde entonces, ha acompañado al Festival en distintos ámbitos, de la responsabilidad técnica a la creación, y su trabajo en escenografía y vestuario forma parte de muchas de las obras que han dado forma a esta cita. Y el Festival se llena de energía cuando Elisa aparece en la Plaza Mayor.
El año pasado tuvimos el privilegio de verla crear en directo con Honra, una acción escénica que partía de una pregunta incómoda, cómo pensar hoy la honra en las mujeres del Siglo de Oro. Sobre el escenario, en tiempo real, fue construyendo un traje que no estaba destinado a ser vestido, sino a activar una reflexión. A partir de textos de Itziar Pascual, ese cuerpo se componía y se transformaba, dejando ver una manera de entender la escena en la que el vestuario deja de acompañar para convertirse en pensamiento.
Su proceso de creación empieza en soledad, en ese tiempo en el que ordena ideas, imágenes y materiales hasta que algo empieza a tomar forma. Necesita trabajar con las manos, tocar los materiales, probarlos, dejar que hablen antes de decidir. La maqueta es ese primer lugar donde todo sucede, donde el espacio se ensaya antes de crecer, y en el vestuario es muchas veces la propia tela la que define al personaje. Sus manos, marcadas por el trabajo, son la mejor prueba de su forma de crear.
Después llega el trabajo con los equipos, el intercambio, esa partitura que se construye entre varios y que hace posible que la idea se despliegue.
Ese recorrido encuentra ahora una nueva proyección en su designación como comisaria del pabellón español en la Cuatrienal de Praga 2027, una de las grandes citas internacionales de la plástica escénica. Este encargo le permite dar a conocer al mundo la calidad de las propuestas escénicas que hoy se desarrollan en España, poniendo el foco en quienes tantas veces permanecen fuera del relato visible, escenógrafos, figurinistas, iluminadores, profesionales imprescindibles cuyo trabajo sostiene la escena.
La Cuatrienal propone pensar el silencio como espacio de posibilidad.
Y ahí, en ese lugar, Elisa sabe estar.
En ese momento en el que el teatro está vacío, a punto de estrenar, y ella se sienta sola en el patio de butacas, respirando al ritmo de la escenografía, cuando todo queda suspendido, ese silencio deja de ser ausencia y se convierte en el lugar donde todo puede suceder.
«LOPE PARA TODOS Lope de Vega y la CNTC: 40 años de sintonía»
En colaboración con: Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE) y la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC)
Espacio: Espacio de Arte Contemporáneo
Fechas: 03 julio-26 julio
Martes – viernes: 10.00 – 14.00h y 17.00 – 19.30h
Sábados: 10.30 – 14.00h y 17.00 – 19.30h
Domingos: 10.30 – 14.00h
Entrada libre
De igual modo que Lope de Vega al crear la Comedia Nacional propició la presencia en los corrales de comedias de públicos de todos los estratos sociales, el nacimiento de la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha contribuido poderosamente al acercamiento del teatro clásico a la ciudadanía. A lo largo de estas cuatro décadas, esta Compañía Nacional se ha esforzado en incorporar a su platea a público familiar y juvenil, público interesado en los aspectos musicales o metateatrales, público alejado de los grandes núcleos urbanos, y, en los últimos años, en consonancia con la mayor sensibilidad de la sociedad, a esos grupos a los que, secularmente, les ha resultado más dificultoso el acceso a la cultura. Con este objetivo, la Compañía ha propiciado la evolución de sus espectáculos, adaptándolos al tipo de espectador al que iban más directamente dirigidos o como consecuencia del propio transcurrir del tiempo y de las estéticas imperantes. Sin embargo, a un elemento se ha mantenido fiel: al verso, la palabra de Lope, esencia de los montajes de la Compañía.
El visitante de esta exposición que recoge los 40 años de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, a la par que va descubriendo los principales hitos que han jalonado su devenir, especialmente aquellos relacionados con la atención a los diversos tipos de públicos, irá apreciando los componentes artísticos y audiovisuales, centrados en los montajes basados en textos lopescos. En este recorrido por la historia de la Compañía, nos encontraremos desde los figurines y el boceto escenográfico de Carlos Cytrynowski para Los locos de Valencia, primer montaje lopesco dirigido por Adolfo Marsillach en 1986; a algunas piezas del vestuario diseñadas, entre otros, por Miguel Narros para El caballero de Olmedo, por Pedro Moreno para El anzuelo de Fenisa, Lorenzo Caprile para Las Bizarrías de Belisa o Ana Garay para La villana de Getafe; a los diseños escenográficos de Andrea D’Odorico, Ricardo Sánchez Cuerda, José Novoa, Mónica Borromello, Carolina González, etc., o los figurines de Almudena Rodríguez Huertas, María Araujo, Rosa García Andújar, entre otros. Todo este recorrido estará ilustrado, así mismo, con abundante material fotográfico de casi medio centenar de espectáculos; fragmentos videográficos y musicales en los que se apreciará el buenhacer de algunos de los grandes intérpretes con que ha contado la Compañía, todos ellos expertos en el “decir” del verso, así como con elementos muy plásticos e identificativos de la utilería. Cerraremos nuestro paseo por el devenir de la Compañía con una muestra del rico acervo editorial que la entidad ha atesorado con rigor y mimo desde sus inicios, publicaciones que, como el resto de piezas exhibidas, evidenciarán la evolución de esta destacada herramienta de difusión patrimonial que ha sido y es la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
«Sal de Ronda»
En colaboración con: Diputación de Ciudad Real, Asociación para el Desarrollo del Campo de Calatrava, Asociación de Turismo de Almagro y Venari
Espacio: Ciudad de Almagro
Fechas: 02 julio-26 julio
¿Preparados para empezar la gincana de los sabores del Siglo de Oro manchego?
Si de aventuras se trata, no todas se libran con espada en mano, hay algunas que se emprenden con pan, cuchara y buen vino. Y en esta, vuestra merced hallará más deleite que fatiga.
El Siglo de Oro también se saborea. Está en cada bocado, en cada receta que ha llegado hasta nosotros desde otro tiempo.
Sal de Ronda es la propuesta gastronómica del Festival: una invitación a recorrer bares y restaurantes de Almagro y el Campo de Calatrava a través de tapas inspiradas en la cocina tradicional y en los productos de la tierra. Un itinerario que comienza con pequeños bocados y prosigue con los vinos de la DO La Mancha y del Campo de Calatrava, que, en su justa medida, dan aliento al cuerpo y contento al ánimo.
En esta edición, los establecimientos participantes ofrecerán dos tapas especiales, una de caza, para los gustos más recios, y otra de carácter vegetariano, para quienes prefieren lo templado y sutil. Todo ello a precio concertado, porque en esta empresa nadie ha de quedar fuera.
Y porque toda andanza merece recompensa, podrá el caminante hacerse con un pasaporte gastronómico con el que, tras completar su recorrido, entrará en el sorteo de lotes de productos de la tierra.
Decidnos, pues: ¿cuántas recetas conocéis? ¿Cuántas habéis probado?
El recetario del Siglo de Oro reúne platos que forman parte de nuestra memoria: alboronía, duelos y quebrantos, gachas, migas, morteruelo, olla podrida, perdiz en escabeche, pestiños, tortas o turrones. Sabores que hablan de lo cotidiano y de lo festivo, de lo sencillo y de lo extraordinario.
Entrad, pues, en esta aventura de sabores, y si al final del camino halláis contento, no penséis que es encantamiento, sino verdad bien cierta: que en Almagro, como en las buenas historias, siempre se sale con algo ganado.
Déjate llevar por el sabor del Siglo de Oro.
«Exposición permanente del Museo Nacional de Artes Escénicas MNAE»
Espacio: Museo Nacional de Artes Escénicas
Fechas: 03 julio-26 julio
Martes – viernes: 10.00—14.00h y 17.00—19.30h
Sábados 4, 11 y 18 julio: 10.30—14.00h y 16.00—19.30h
Sábado 25 julio 17.00—19.30h
Domingos 10.30—14.00h
Lunes cerrado
Entrada libre
Ubicado en el corazón de Almagro, el Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE) es un espacio donde la historia de la escena cobra vida. Renovado recientemente, el museo refleja la diversidad de las artes escénicas y reúne colecciones dedicadas al teatro, la danza, la música, la zarzuela y el circo.
Su colección permanente propone un recorrido hacia atrás en el tiempo, desde el siglo XXI hasta los orígenes de la tradición escénica. A través de esta línea temporal, el visitante descubre cómo muchos temas, conflictos y emociones se repiten a lo largo de la historia, desde la antigua Grecia hasta la actualidad.
El recorrido concluye con una mirada a los cuatro elementos de la naturaleza —agua, aire, fuego y tierra— al servicio de la escena. Así, el MNAE se convierte en un espacio didáctico que acerca al público al patrimonio y la evolución de las artes escénicas.
Dirección MNAE: Beatriz Patiño
«Foro de Profesionales de las Artes Escénicas de Castilla-La Mancha»
En colaboración con: Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha
Espacio: Palacio de Valdeparaíso
Fechas: 13 julio – 10.00 – 13:00h
Además de ofrecer su programación artística y un buen número de actividades en torno a nuestro Siglo de Oro, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro es cada año un lugar de encuentro para los profesionales de las artes escénicas de Castilla-La Mancha. Y, como tal, el Foro de Profesionales de las Artes Escénicas se constituye como un espacio de diálogo, reflexión y fortalecimiento del tejido cultural de la región.
Este foro da cuenta de la vocación del Festival de servir como plataforma para la dinamización del sector en Castilla-La Mancha, un territorio con una fuerte identidad escénica y un rico patrimonio cultural. Porque Castilla-La Mancha es origen de innumerables historias vinculadas al teatro y a nuestros clásicos, desde Cervantes hasta los creadores actuales que renuevan la herencia de los siglos XVI y XVII con sus miradas contemporáneas hacia la época áurea.
La Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, AUNARTE y ESCENOCAM colaboran en la organización de esta actividad que busca fomentar la cooperación entre entidades, promover el desarrollo del sector y generar estrategias conjuntas que impulsen la creación, distribución y exhibición de las artes escénicas en la región.
«Un vestuario de Goya»
30 años de El perro del hortelano de Pilar Miró
Espacio: Parador de Almagro
Fechas: 03 julio-26 julio
De lunes a sábado: 10.00—14.00h y 17.00—20.00h
Domingos y festivos: 11.00—14.00h y 17.00—20.00h
Celebrar los treinta años de El perro del hortelano en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro supone reencontrarse con una de esas obras que ampliaron para siempre la mirada sobre los clásicos. La película de Pilar Miró no solo trasladó a Lope de Vega a la gran pantalla, sino que demostró que el teatro clásico podía dialogar con el cine desde la belleza, la inteligencia y una ambición cultural profundamente contemporánea.
Contemplar parte del extraordinario vestuario creado por Pedro Moreno permite adentrarse en una de las arquitecturas visuales más memorables de nuestro cine. Cada pieza conserva la belleza, la precisión y la potencia estética de una obra irrepetible. Y al volver sobre El perro del hortelano, resulta inevitable recordar que aquella película abrió también el horizonte de una ambición mayor: la trilogía con la que Pilar Miró soñó seguir llevando el teatro clásico español a la gran pantalla. Ese proyecto quedó suspendido, como quedan a veces los grandes sueños culturales, en un territorio de espera. Quizá recordarlo hoy sea también una forma de volver a señalar su necesidad y de invitar a que esa visión pendiente encuentre, algún día, nuevas posibilidades de hacerse realidad.
La presencia de Pedro Moreno convierte esta celebración en una experiencia aún más excepcional. Su mirada continúa orientada hacia el porvenir con la misma intensidad con la que durante décadas ha estudiado tejidos, cuerpos, espacios y personajes. Sigue atento a las generaciones más jóvenes, a sus lenguajes, a sus incertidumbres y a las transformaciones de un mundo en permanente cambio. Las exposiciones, la pintura, la música, el dibujo, el teatro o la danza continúan siendo para él territorios de aprendizaje, lugares donde seguir formulando preguntas nuevas.
Hay en su pensamiento una mezcla admirable de maestría y curiosidad, de solidez y búsqueda. La experiencia no ha apagado su incertidumbre, sino que la ha convertido en una forma de curiosidad insaciable. Pedro Moreno sigue acercándose al arte con la humildad de quien sabe que dominar un lenguaje nunca significa dejar de reinventarlo.
Por eso su paso por Almagro trasciende la conmemoración. Supone compartir la presencia de un creador que no solo forma parte de nuestra memoria cultural, sino que sigue interrogando el presente con una sensibilidad plenamente viva.
Celebramos una película irrepetible, celebramos un vestuario que ya pertenece a la historia del cine español, pero sobre todo celebramos a Pedro Moreno, cuya mayor obra quizá resida en la elegancia con la que camina por el mundo, descifrando incansablemente toda forma de belleza.
«Taller: Directing the Actor (Dirigir al actor)»
En colaboración con: Escuela de Teatro de la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA) de Baeza
Espacio: Parador de Almagro
Fechas: 13 julio-15 julio – 10.00—13.00 h y 16.30—19.30h
Duración: 18 h.
Participantes: 15
Preinscripción: del 17 de abril al 07 de mayo.
Toda la información en https://www.unia.es/dirigir-al-actor
Directing the Actor (Dirigir al actor) – Taller con Declan Donnellan y Nick Ormerod
Este taller es para directores/as y se centra en lo que un director/a necesita
reconocer en el trabajo de un actor o actriz, particularmente al trabajar con textos
clásicos.
Utilizando escenas del repertorio clásico, examinaremos qué puede hacer un
director/a para liberar la energía de una escena y ayudar a dar vida al texto (en
particular al verso). ¿Qué ayuda? ¿Qué obstaculiza?
El trabajo consiste en ayudar al director/a para que pueda ayudar al actor o actriz –y
no está dirigido a los actores/actrices.
Declan Donnellan y Nick Ormerod son los fundadores y directores artísticos de
Cheek by Jowl, compañía de teatro de renombre internacional. Fundada en 1981,
Declan y Nick han dirigido y diseñado desde entonces más de cuarenta
producciones, que se han representado en más de cincuenta países de los seis
continentes, entre ellos España, donde han creado excelentes espectáculos en los
últimos años como La vida es sueño o Los dos hidalgos de Verona.
Impartido por: Declan Donnellan y Nick Ormerod
Traductor y colaborador: Josete Corral
Dirección del Taller: Nieves Pérez-Abad
«Paseo de la Fama»
Los Premios Corral de Comedias 2005-2026
Espacio: Jardines de la Plaza Mayor
Fechas: 02 julio-26 julio
Espacio público al aire libre
El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro rinde homenaje a las grandes figuras que han marcado la historia del teatro del Siglo de Oro con la exposición Paseo de la Fama.
A lo largo de sus ediciones, el Festival ha reunido a actores, actrices, directores y creadores cuya trayectoria ha dejado una huella imborrable en la escena clásica. Esta muestra es un recorrido por sus nombres, sus rostros y sus aportaciones, celebrando su legado y su impacto en la difusión del teatro áureo.
Con una cuidada selección de imágenes, recuerdos y testimonios, Paseo de la Fama es un tributo a quienes han dado vida a los clásicos sobre los escenarios de Almagro, convirtiendo este festival en un referente internacional.
a
«Claramonte: a partir de La estrella de Sevilla»
Dirección: María Rodríguez
Espacio: Teatro Municipal
Fechas: 13 julio – 20.00h
Compañía: elpreciodelpeine y Arena Teatro y Danza
Duración: 90 min.
Precios: 13€
El singular acercamiento de elpreciodelpeine a la obra La Estrella de Sevilla se articula a través de la figura del autor murciano Andrés de Claramonte, al que coloca en el centro del espectáculo en un diálogo entre el presente y el Siglo de Oro. Confusa tras su reciente ruptura, Alejandra orienta su caos emocional hacia una investigación minuciosa sobre Claramonte: archivos, métricas, rastros lingüísticos y también la incertidumbre de su propia vida la asfixian… Solo en la ficción de La Estrella de Sevilla, atribuida por algunos a Claramonte, los personajes encontrarán un espacio para mirarse, entenderse y, finalmente, respirar.
Claramonte privilegia y combina la música y el espacio sonoro, las canciones, el humor y la
autoficción en una lectura contemporánea que involucra al espectador en un viaje hacia su propia identidad a partir de la pregunta: ¿Quién fue Andrés de Claramonte?
María Rodríguez, directora, es fundadora de elpreciodelpeine y coproduce este espectáculo con Arena Teatro y Danza, espacio de referencia en Murcia con más de 35 años de trayectoria.
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